工业化时代到来音乐发展的多样性_国际_资讯

工业化时代到来音乐发展的多样性

: 编辑：csm351

2021-10-14

　　二十世纪音乐，继承了欧洲古典音乐带来的音乐纪元，这个世纪没有一种统一性的风格，作曲家们创造出各种各样的音乐。现代主义、印象主义和后浪漫主义等音乐都可以追溯到世纪之交之前的几十年，但它们之所以能被包括在内，是因为它们跨越了19世纪、比共晓时期风格的音乐更进一步。
　　▲罗伯特.舒曼（robert schumann，1810年6月8日—1856年7月29日）
　　一：极简主义（Minimalism）
　　简约音乐（Minimal music）于1960年代兴起。回溯到19世纪的舒曼的创作中也包含了这个元素，而“简约”第一次被用来形容音乐则出现在1968年，迈克尔·尼曼（Michael Nyman）给科内利乌斯·卡迪尤（Cornelius Cardew）的作品《The Great Digest》所写的评论之中。尼曼稍后在他1974年出版的书中《Experimental Music:Cage and Beyond》扩张了他对简约音乐的定义。
　　▲迈克尔·尼曼与科内利乌斯·卡迪尤
　　另外，还有一名自我定位为简约主义的音乐家汤姆·约翰逊（Tom Johnson），也宣称是第一个使用“简约”这个词来形容音乐的人，他于1989年在《Village Voice》中这样描述简约音乐：“简约主义的概念比许多人想像的都还大的多。在定义上，它包括了任何使用极少或有限制的材料而写成的音乐：只使用了极少量的音符、极少量的文字、或只为少数乐器所写的音乐。”
　　▲汤姆·约翰逊
　　许多人（尤其是流行乐迷）发现简约音乐比所谓的十二音列音乐或是现代乐派的古典乐还更容易理解。对另一些支持浪漫乐派或是更早音乐的人而言，认为简约音乐令人烦躁，因为它的不断重复性质、缺少复杂性、或缺少如程序音乐般的严谨，争议不断。
　　如今，极简主义已成为一种国际现象，深刻影响了美国及其他地区新音乐的发展方向，导致极简主义成为20世纪末至21世纪初的“通用音乐语言”。
　　▲大卫·鲍伊与马克·博兰
　　二：新浪漫主义(New Romantics)
　　受大卫·鲍伊（David Bowie）、马克·博兰（Marc Bolan）和罗克西音乐组合（Roxy Music）的影响，新浪漫主义者的发展灵感，是来自于摇滚乐时代，加上18世纪末和19世纪初的早期浪漫主义时期，增添了一些复古的元素。新浪漫主义迅速席卷整个西方世界。在此次风潮下，对当代音乐界产生的意识形态上的影响也不容小觑。
　　▲罗克西音乐组合
　　众所周知，“新浪漫主义”这个词是由音乐家、制作人、经理和创新者理查德·詹姆斯·伯吉斯（Richard James Burgess）创造的。在接受《电力俱乐部》采访时，伯吉斯在回答一个关于创造“新浪漫主义”这个词的问题时说：“最初我用的是三个词——未来主义者（Futurist）、电子舞曲（Electronic Dance Music）和新浪漫主义。“
　　▲罗克西音乐组合
　　虽然这是一场时尚运动，20世纪70年代末和80年代初的几部英国音乐作品却都采用了这种风格，并在媒体中成为了它的缩影，其中包括史蒂夫·斯兰奇（Steve Strange）、杜兰·杜兰（Duran Duran）、斯潘道芭蕾舞团（Spandau Ballet）、新古典音乐（Classix Nouveaux）、乔治男孩（Boy George of Culture Club）等。
　　在20世纪80年代早期，这些乐队中的一些开始流行采用合成器，这与独特的新浪漫主义视觉效果相结合，帮助他们首先在英国获得了全国性的成功，然后通过音乐频道MTV发挥了重要作用——英国入侵美国乐坛。
　　到1981年底，最初的运动已经基本消失了。尽管一些与现场有关的艺术家继续他们的职业生涯，但他们基本上放弃了运动的美学。
　　▲冈瑟·舒勒
　　三：第三潮流（Third stream music）
　　第三潮流是爵士乐和古典音乐的合体。这个词是1957年作曲家冈瑟·舒勒（Gunther Schuller）在布兰代斯大学（Brandeis University）的一次演讲中创造的。即兴创作通常被视为第三潮流的重要组成部分。
　　舒勒带领一批音乐家录制了专辑《Music for Brass》（1957年）和《Modern Jazz Concert》（1958年），后来被收录在一张专辑《第三潮流的诞生》。首创是由舒勒、约翰逊（J.J.Johnson）、刘易斯（John Lewis）和吉米·吉乌夫（Jimmy Giuffre）合作的作品。
　　第二张专辑结合了爵士乐和古典音乐家与舒勒，朱弗雷（Giuffre）、乔治·罗素（George Russell）、查尔斯·明格斯（Charles Mingus）、哈罗德·夏皮罗（Harold Shapero）、和米尔顿·巴比特（Milton Babbitt），统一成一种作品。这种音乐在1957年的布兰代斯艺术节（Brandeis Festival of the Arts）上首次演出，并激发了舒勒关于“新合成”（a new synthesis）的评论。
　　▲米尔顿·巴比特（Milton Babbitt，1916年5月10日生于费城）
　　拼贴音乐（Sound collage）
　　拼贴音乐，顾名思义就是通过几种不同的乐曲拼接而成。在音乐作品中引用材料的时空跨度、使用的频度和材料间的对比等方面达到前所未有的程度。例如给予一定的作曲模式，拼贴进格里哥利圣咏、巴赫的赋格和当代爵士等时空跨度极大的音乐材料，通过解构和重组对传统音乐进行新的解释，建立新的意义。
　　拼贴音乐的起源可以追溯到奥地利作曲家比贝尔（Heinrich Ignaz Franz Biber）的纲领性奏鸣曲《巴塔利亚》（Battalia）（1673）和莫扎特的《唐·乔瓦尼》（1789）的作品。
　　一些评论家将马勒交响曲中的某些段落描述为拼贴，但最早完全发展起来拼接音乐的是查尔斯·艾夫斯（Charles Ives）的一些作品中，他的作品《黑暗中的中央公园》创作于1906年，通过将几个不同的旋律和语录叠加在一起，创造出一种在城市中漫步的感觉。因此，拼贴在音乐中的使用实际上早于毕加索（Picasso）和布拉克（Braque）等艺术家在绘画中的使用，他们通常被认为是1912年左右创作了第一幅拼贴画。
　　▲乔治·罗奇伯格
　　今天，拼贴音乐可以被认为是一种流苏的后现代主义和一种数字艺术形式的体现。乔治·罗奇伯格（George Rochberg）是一位著名的艺术家，他在作品中运用了拼贴技术，包括了《反死亡与节奏》（Contra Mortem et Tempus）和《第三交响曲》。
　　20世纪的经济和社会型态对音乐有重大的影响力，世界在工业化时代有了逐渐进步的录音和回放设备，从录音带到CD到DVD，有了广播和电视，以及整个资本主义脉络的内嵌，造就了音乐发展的多样性。