5月11日，在上汽·上海文化广场举行的“上海之春”音乐剧发展论坛聚集了来自世界各地100余位音乐剧业界人士和专家学者，以“新时代、新观众、新审美”为主题，探讨当前文化环境、技术手段、消费习惯的变革，以及音乐剧的升级路径与未来发展。论坛上，“2019首届上海黄浦国际音乐剧节”也宣布正式启动，打造上海首个立足本土、放眼国际的音乐剧节展盛事。

        维也纳联合剧院CEO弗兰兹·帕泰的言辞中表达了对中国的羡慕。他说：“奥地利只有800万人口，音乐剧市场竞争压力很大。中国有14亿人口，未来市场有无限潜力。”可是，中国的音乐剧人又都在羡慕他，维也纳联合剧院每年的观众是60万，这意味着整个城市有30%的人口会买票看他们的戏。
        2017年上海音乐剧市场十分活跃，大部分引进原版大戏和中文版制作都选择在上海首演。48个专业剧场共演出音乐剧611场，比2016年同比增长72.6%，观众24万人次，同比增长168%，票房收入6898万，同比增长69%。无疑，上海已经成为中国音乐剧最重要的前沿阵地。可是，与维也纳相比，观众人数占城市总人口的比例，仍然天差地别。在新时代如何赢得新的观众？是中国音乐剧人面临的重要课题。

        年轻女性是音乐剧的观众主力，这在全世界都不例外。弗兰兹·帕泰说，在维也纳，75%的观众是女性，超过60%的观众在40岁以下。堀制作株式会社现场娱乐板块戏剧制作部总制作人梶山裕三介绍说，日本音乐剧观众中，90%是女性，而且长期以来没有变过。面对这样的情况，音乐剧是应该继续拓展年轻女性的观众群呢？还是另辟蹊径去争取更多元的观众？梶山裕三觉得，剧场作为社会的一部分，应该更多地扩展多元的观众群，那就要了解不同的人群，了解他们喜欢看什么。
        君舍文化董事长暨CEO、环球百老汇董事长钟丽芳提到“为观众画像”的重要性。4年前，他们着手打造一个面向孩子的浸没式音乐剧。可因为主创团队对中国市场、对中国儿童的喜好不了解，第一版出来后并没有达到预期。
        随后，团队投入了大量的时间录了几千集观众采访，这些视频一点一点被整理出来，新时代中国儿童的画像便逐渐清晰起来。伴随数字产品长大，他们不那么喜欢幼稚的童话故事，更喜欢有趣的、酷的东西。就这样，主创团队在原有故事的基础上进行改版，做出了更符合孩子兴趣和审美的版本。“好的创作需要时间、需要投入。做产品前一定要清楚我们的受众是谁，他（她）可以接受什么东西，他（她）的喜好是什么。” 钟丽芳说。

丰富剧场体验
        只有180万人口的维也纳经营剧院，更注重如何把每一个观众变成“回头客”。“第一次来剧院的体验非常重要。” 弗兰兹·帕泰说，“我们要把观众当上帝来对待，想方设法丰富他们的剧场体验。”因此，在看音乐剧之外，维也纳联合剧院大大小小的剧场还会经常组织丰富多彩的体验活动，吸引观众喜欢上剧场。
        在新时代，人人都喜欢拿手机拍照，上传社交网站与朋友们分享。可是在传统的剧场里，这是不被允许的。这不仅涉及到版权问题，还会干扰演员的表演和其他观众的欣赏。维也纳联合剧院的解决方法是，在演出进行的过程中禁止拍照，但鼓励人们在演出结束时拿出手机尽情拍照，在不影响演出的同时满足观众新的需求。
        此外，维也纳联合剧院还在推动音乐剧的数字化，因为在互联网时代，观众习惯了通过高清录像和网络直播的观看方式。但悖论是，许多观众从电影院和手机上看了这些影像之后，就不再选择到现场去看了。弗兰兹·帕泰的态度是：“我们要拥抱新的时代，不能忽略新的趋势，因为这就是人们现在的行为模式。我们必须探索新的方式，在满足观众对数字化音乐剧新需求的同时，不影响剧场的票房。”
让观众来选戏
        近年来，在百老汇和伦敦西区大戏之外，文化广场有意识地引进法语、德语等其它语种和风格的音乐剧作品，希望能为引导观众和培育市场做出有价值的探索。从前都是引进一部戏再面向观众推广，现在有些戏却是在观众的“呼声”中到来的。

        今年初在文化广场上演的《摇滚莫扎特》，一开票就大卖，吸引了全国各地的观众专程赶来上海观看。因为这部法国音乐剧作品依靠音乐风格和明星效应早就在互联网上聚集了一批忠实的观众，大家都期盼着这部作品的到来。《摇滚莫扎特》比起传统的音乐剧，更像是一场演唱会。该剧连演24场，场场气氛热烈。
        上海文化广场剧院管理有限公司总经理张洁说，新的时代，新观众的快速成长带来了新审美。“音乐剧是一个年轻态的文化产物，许多观众在进入剧场之前不再是一张白纸，他们甚至比主办方更了解剧目，这使得观众提前介入了与观演的互动中。这决定你为大家采购，你为大家组织演出。面对这样的态势，剧场需要破壁，需要跨界，需要思维融合。”