最近，在某个钢琴学习讨论群中看到了以下一段对话：
其中一个同学认为，学习钢琴应该技术至上，技术是弹奏钢琴的基础，没有技术，一切都是空谈；
另一个同学认为，钢琴演奏要注重音乐性，而且要学会分析作品，注重作品风格的把握。
对于技术性和音乐性孰重孰轻，一直以来在音乐教学中都是一个备受争论的话题，即使是钢琴家，也会有不同的看法：
苏联作曲家、钢琴家拉赫玛尼诺夫曾说：“学生要想成为良好的钢琴家，精通技巧是首要条件之一。”
德国钢琴家汉斯·冯·彪罗曾说：“对于一个钢琴家的三件事，第一件是技巧，第二件是技巧，第三件也是技巧。”
波兰钢琴家霍夫曼指出：“现代技巧中，有种令人遗憾的倾向，就是技巧本身变成了目的。任何时候，只要技巧本身变成目的，并篡夺了真正的目的——音乐内容的地位的话，就应当把它清除掉。”
那在孩子的音乐学习中，到底应该更注重音乐性的培养还是技术性的培养呢？其实音乐性和技术性是相互依存的关系，音乐性是目的，而技巧是手段。演奏音乐好比朗读文章，标准的普通话是提升朗读水准的一种手段，但表现作者文字背后的诗情画意，冷暖人生，才是最终应该传递给聆听者的。
但现阶段，大众对艺术的审美还是停留在“弹得快，唱得高，画得像”上，所以，我们身边学习器乐的孩子技术水平普遍都比较突出，但却忘记了音乐的本质是音乐性的表现。
音乐性的培养
是提升孩子内在素养的基本要求
很多家长让孩子学习音乐的目的，是为了提升孩子的艺术修养和气质内涵，而这些素养光靠单纯练习手指技能完全无法获得。拥有过人的手指技术，只能证明孩子非常刻苦勤奋，这些只是停留在手指上的东西。只有孩子能够明白自己演奏的音符到底有何种意义，表达的是什么情感，这才是能真正影响孩子的认知，深入骨髓的。
音乐性也能服务于技术
技术水平越高，对于音乐情感的可塑性就越强。反言之，音乐情感的表现，也能有助于技术难点的解决。例如《李斯特第十一狂想曲》的开头，这一部分由大量的快速震音组成，想要将这些音符快速均匀地演奏绝不是一件容易的事情。但如果加上音乐性的处理，将震音作一个由慢到快的速度变化，让快速震音的弹奏有一段缓冲的时间，这一技术难点也就迎刃而解了。
▲《李斯特第十一狂想曲》第1-3小节
但是这种速度或者是力度的变化，必须要符合作品风格和情感的处理，不能盲目为了解决技术难点而影响音乐表达的准确性。
注重音乐性的培养
才能让孩子对学习音乐保持兴趣
每个人天生对音乐就有一定的洞察力，孩子们喜欢音乐，其实就是这些天生的洞察力使他们感受到了音乐的美妙与神奇。但很多孩子一旦开始学习乐器，便“执着于”练习手指技术，并不是说孩子不应该注重这些基本的手指要求，但往往这种枯燥的练习让他们忘记了音乐原本的美好，扼杀了孩子们对音乐探索的欲望。
所以，只有回归音乐的本源，让孩子不断发现音乐的丰富情感和绚丽色彩，才会激发孩子对音乐无尽的探索欲。
有情感的音乐才是鲜活的
随着科技的进步，市面上早已出现了一种钢琴自动演奏系统，只要钢琴装上这样的装置，钢琴便能自动演奏，并且技术无可挑剔，还能准确地模拟出各种音乐中的变化。但是这样完美的演奏真的能取代人类吗？
机器的演奏只是按照设定演奏，虽然毫无差错，但是一成不变。它永远无法取代人类的创造力和想象力，永远无法揭示音乐中的深刻内涵，永远无法体现音乐的价值。
音乐是鲜活的，它的灵魂靠人们代代相传，机器是冰冷的，它只能演奏出音乐表面的技术和人们所设定的情感变化。只追求技术的演奏，跟机器又有什么区别？
法国著名钢琴家玛格丽特·朗曾经说过：“只有人的演奏才能赋予音乐生命，一种玄妙而又不可挽留的昙花一现的生命。”这才是音乐的意义。
但强调音乐性并不是要放弃技术性，无技术，无音乐；练技术，为音乐。音乐性和技术性必须共同发展，才能创造出真正的音乐。
