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乔治的立体主义画作简析

编辑:csm351
2020-04-08

  在立体主义画家中,乔治的影响,实际上并不比毕加索小。他与毕加索同为立体主义运动的创始者,并且,“立体主义”这一名称还是由他的作品而来。
  1,《曼陀铃》简析:
  1909-1910年,布面油画,71.1 x 55.9 cm,泰特现代美术馆,伦敦
  曼陀铃(Mandolin)是弹拨乐器,起源于意大利,原名为意大利文“mandolino”,意为“杏仁”,由其外形得名。曼陀铃大小与小提琴差不多,全长约40厘米。共有八根弦,两两成对分为四组。四组弦的定音和小提琴是一样的,也就是GDAE。调音法与小提琴相同,采取五度间隔。传统曼陀铃的琴身形状,更像是剖开的水梨,琴体背部隆起成半圆,不带横板,琴颈上有品,琴头略向后仰。维瓦尔第、莫扎特、贝多芬、舒伯特等作曲家,编有不少曼陀铃演奏用的古典乐曲。
  布拉克和毕加索在分析立体主义时期所作的作品,风格非常接近,以致于摆在一起难辨孰人所为。这在艺术史上是极其少见的现象。两人不仅画法相同,而且所选题材也十分相似。他们都偏爱画乐器。布拉克喜爱音乐,所以乐器和乐谱在其作品中尤为多见。这幅作于1909—1910年的油画《曼陀铃》,是布拉克分析立体主义时期的一件代表作。而在同一时期,毕加索的画中也曾出现这种乐器。
  毕加索 弹曼陀铃琴的少女 美国纽约市现代艺术博物馆藏
  据说,立体派画家对于曼陀铃这一题材的偏爱,在很大程度上是受当时著名诗人马拉美(Mallarme)的影响。在马拉美的诗作中,曼陀铃是一种最受偏爱的象征物,具有多重的隐喻。它由于自身能够奏出音乐,面被当作艺术创造的象征,同时,又因其状似女性的子宫,而被视为一种类似的创造之暗示。不过,对于立体派画家说来,马拉美的影响,与其说是在于他的将乐器作为题材的选择,不如说是在于其诗歌创作中分解与重构的艺术技巧。立体派画家将客观的物象分解,并将分解的碎块在画中重新组构。这里多少有马拉美的影响。
  相对说来,布拉克在画中对于物象的分解,要比毕加索更加极端。他多数是在静物画中进行这种分析形体的实验。这也许是因为静物画对他说来较少约束之故。在《曼陀铃》这幅静物画中,那个被形与色的波涛团团包围的乐器,隐没在块面、色彩与节奏的振颤中,所有要素都与那具有音响特质的阴影、光线、倒影等产生共鸣。整个画面布满形状各异的几何碎块,我们几乎找不到一点空着的地方,也找不到一点不具动感的区域。那四处弥漫的光,那些朝着这个或那个方向倾斜的块面,相互之间彼此呼应。正如布拉克在一本书中所描述的那样:“回声应随着回声,所有一切都发出了共鸣”。而真正能够使众多视觉要素统一起来的,则要算是画面中心的曼陀铃上那个圆孔;这个深色的图形也是画中所有交叉的斜线所交会的中心。从而,这幅画的生命力便是由两种不同方向的运动所派生:一是向上的运动;一是旋转的运动。画中的色彩,仍象他早期作品的色彩那样简单,不过,在不失其纯朴特质的基础上,显得更加明快和富于变化。
  2,《单簧管》简析:
  1913年. 布面油画、拼贴,95.3×120.3厘米,纽约,私人收藏
  布拉克作于1913年的《单簧管》,是他的拼贴代表作。他以木纹纸、报纸及有色纸,在画面的中央拼贴出一组简洁的形状,并以铅笔在这组形状的周围勾画出线条和阴影。在这里,客观的物象与主观创造的成分相互融合,从而产生一种虽使人意外却又令人信服的造型价值和亲切感。在这个朴素而严谨的画面结构中,每一视觉要素,无论是不同的纸片还是轻淡勾画的线条,都成为一种符号。那些线条使剪贴的图形获得某种依托和含义,甚至还能让人从中感悟到某种精神内涵。通过拼贴,艺术家将一些似已被人忘却的表现因素,尤其是对材料及色彩的审美感受,向观者昭示。这显然与分析立体主义的风格大异其趣。
  这件作品,也显示了布拉克那惊人的控制和处理画面空间的本领。如果说,其分析立体主义作品中的空间处理,所显示的是动感与生机,那么在如今这种所谓综合立体主义的探索中,其画面的组合则呈现了一种奇特而稳定的静态趋势。画中所有的图形,均朝画面的中心汇聚。画家以一根虽然轻淡却十分肯定的线条,环抱那组以纸片拼贴而成的图形,从而进一步强化了画面的向心力,这一向心力有效地阻挡了所有可能超越其限制的运动,使任何似将越出其力场的细节,都返转回来。
  3,《静物》简析:
  1912 年, 炭笔.剪纸.纸板,62 x 48 公分 费城美术馆,费城﹝Philadelphia﹞
  在立体主义的形式年代,布拉克和毕卡索反抗传统,使绘画不再能依据现实中的诠释方式了解其意。因此造型成为可移动的平面,颜色可以被忽略。他们认为有颜色的造型很容易引起幻觉,以为物质世界乃感官幻觉之产物。1912 年,布拉克找到一个方法将造型和颜色表现为两种独立的创作元素。他用炭笔划出造型,用有色壁纸剪成条状代表颜色,这幅静物画就是根据这种理念完成。布拉克在蓝纸上剪出一个弧形,显露出碳笔部份,将英文字 VIN 的尾端写在蓝纸上,造成重叠的感觉。
  4,《埃斯塔克的房子》简析
  油画,1909年, 73×59.5厘米,波恩艺术博物馆藏
  1908年,布拉克来到埃斯塔克。那儿是塞尚晚期曾画出许多风景画的地方。在那里,布拉克开始通过风景画来探索自然外貌背后的几何形式。其《埃斯塔克的房子》,便是当时的一件典型作品。在这幅画中,房子和树木皆被简化为几何形。这种表现手法显然来源于塞尚。塞尚把大自然的各种形体归纳为圆柱体、锥体和球体,布拉克则更加进一步地追求这种对自然物象的几何化表现。他以独特的方法压缩画面的空间深度,使画中的房子看起来好似压偏了的纸盒,而介于平面与立体的效果之间。景物在画中的排列并非前后叠加,而是自上而下地推展,这样,使一些物象一直达到画面的顶端。画中的所有景物,无论是最深远的还是最前景的,都以同样的清晰度展现于画面。由于布拉克作此画的那个阶段,画风明显流露出塞尚的影响,因而,这一阶段又被称作“塞尚式立体主义时期”。
  5,《二重奏》简析:
  1937年,画布,油彩;纵130.5厘米,横162厘米;藏于法国巴黎蓬皮杜艺术中心
  乔治·布拉克是法国立体主义的代表人物,他与毕加索同为立体主义运动的创始人。这件作品描绘的是音乐家表演二重奏的场景,作者以立体主义的手法,将人物几 何化为各种方形、圆柱体、圆锥体等,并用平面的色彩分割来表现这一场面,体现出关于"二重奏"的心理立体形象,让人们面对怪诞的形象去"直观本质",从而 感受到物体的全貌。这就是"二重奏"给我们提供的丰富内容和形式意味。
  6,《桌上的白兰地酒瓶和吉他》简析:
  1930年 画布油画 130.50 x 75.00 厘米
  《桌上的白兰地酒瓶和吉他》是布拉克的经典之作,属于布拉克“桌子”系列中的一件,布拉克常以桌子上的静物为题材,从他开始立体主义的艺术探索开始,这一题材就不断出现在他的绘画中。在诸多静物里,布拉克尤其偏爱吉他,作为一个音乐家,布拉克对吉他情有独钟,他的朋友,另一位立体派画家格里斯甚至说:“吉他使布拉克获得新的生命!”在绘画里,则是布拉克赋予吉他以生命,真实的吉他被分解为各种色彩、曲线、以及不规则形状,奇妙地组合为一种新的形态,呈现在世人面前。这件30年代初期创作的作品中,细微的沙粒和油彩混合在一起,制造出一种粗糙的画面背景,不同的笔触和笔法模拟出桌子的木头纹理,并刻画出地毯及壁纸的花纹。与早期作品相比,这幅画面的构成感更强,色彩的运用也更富于装饰性,显示出画家对材料、质地、装饰图案以及颜色运用方面的创造力。
  7,《Marc Vieux酒瓶》简析:
  乔治·布拉克 Marc Vieux 酒瓶 纽约大都会艺术博物馆藏
  在这幅画中,酒吧或咖啡馆内部,布拉克通过改变字母和数字的大小、透明度和放置来唤起空间和深度。墙上的一个标志(“BOCK 30 c”)广告是一杯合理定价的啤酒,而右下角的“BA[L]”指的是舞厅。中心的高大形状被它的“Marc Vieux”标签所标识为一瓶酒。(布拉克制作了其他组合物,包括“Vieux”瓶——二者都是白兰地。)相邻的形式,高脚杯和弯曲的桌面可以被看作是小提琴或大提琴的一部分,在一战前几年里,一个有趣的模棱两可的典型是布拉克和毕加索的风格。



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